평면, 조각적 언어 

엄태정의 작품 세계는 금속이라는 물질을 통해 인간  존재의 깊이, 침묵, 상처, 치유, 초월의 가능성을 탐구해  온 조각적 사유의 여정이다. 조각은 물질과 작가의  몸이 만나고, 그 만남 속에서 보이지 않던 존재의  층위가 서서히 드러나는 사건이다. 그런 점에서 그의  조각은 물질적이면서도 정신적이고, 추상적이면서도  구체적이며, 침묵이면서 깊은 울림이다. 작가에게 평면 작업은 조각과 분리된 독립  장르라기보다, 조각적 사유가 다른 차원으로 확장된  결과라 할 수 있다. 그의 평면 작업 역시 조각과 동일한  존재론적 질문 위에서 전개된다. 즉 “형태란 무엇인가”,  “공간은 어떻게 생성되는가”, “물질은 어떻게 정신성을  획득하는가”와 같은 질문이 평면 안에서도 반복된다.  따라서 그의 평면 작업은 단순한 이미지 생산이나  색채 구성의 차원을 넘어, 조각에서 다루어 온 공간적 ·철학적 사유를 평면의 언어로 다시 탐구하는  과정이라 할 수 있다. 평면 작업에서 중요한 것은 ‘반복’의 구조이다. 반복은  단순한 패턴이나 장식적 리듬이 아니다. 그것은 수행적  시간의 축적이며, 하나의 형상이 자기 자신을 끝없이  되묻는 과정이다. 화면 속에서 선들은 규칙적으로  이어지고, 점과 면은 미세한 차이를 유지한 채  반복된다. 그러나 이 반복은 기계적 복제가 아니다.  오히려 반복될수록 미세한 차이와 흔들림, 호흡의  리듬이 드러난다. 이 점에서 그의 작업은 동양적  수행성과 깊이 연결된다. 마치 선승이 같은 동작을  반복하며 내면의 집중에 도달하듯, 그의 화면 역시  반복을 통해 형식 너머의 정신성에 접근한다. 그의 반복은 차가운 기하학적 질서가 아니라, 살아  있는 리듬과 존재의 흐름에 가깝다.  조각이 금속의 절단과 용접, 비어 있는 공간과 수직적  구조를 통해 존재의 긴장감을 드러냈다면, 평면은 선과  면, 여백과 반복을 통해 동일한 긴장감을 평면 안에서  구축한다. 조각에서 ‘비어 있음’이 중요한 것처럼,  평면에서도 여백은 단순한 빈 공간이 아니다. 그것은  형상이 태어나고 사라지는 잠재적 공간이며, 침묵과  호흡의 공간이다. 화면 속 여백은 형태를 지탱하는  배경이 아니라, 오히려 형태와 동등한 존재론적 무게를  지닌다.  또한 평면은 빛과 깊이에 대한 조각적 감각을  유지한다. 화면의 선과 면은 단순히 2차원적 도상이  아니라, 마치 부조(relief)처럼 공간적 깊이를 가진다.  반복된 구조들은 시각적 진동을 만들어내며, 감상자의  시선은 화면 위를 단순히 이동하는 것이 아니라  안쪽으로 침잠하게 된다. 이때의 평면은 세계로 열려  있는 창문이나 외부 세계를 반영하는 재현의 매체가  아니다. 그것은 하나의 장(field)이자 에너지의  구조이다. 평면과 조각은 결국 동일한 철학적 기반 위에 서 있다.  그것은 형태를 통해 비형태적인 것에 접근하려는  시도이며, 물질을 통해 비물질적인 깊이에 도달하려는  탐구이다. 조각이 공간 속에서 존재의 무게를  세운다면, 평면은 화면 속에서 그 존재의 울림과  호흡을 끝없이 반복하며 확장시킨다. 엄태정에게 조각은 세계를 향해 하나의 존재를 세우는  일이다. 동시에 보이지 않는 것을 드러내는 일이다.  「“조각 작품은 하나의 세계를 건립함을 뜻한다.” -  엄태정의 추상조각과 예술철학」 중에서 김석모 (철학박사, 전 솔올미술관장) 

Plane: Sculptural Language 

The work of Um Tai-jung represents a journey of sculptural  contemplation, where the artist uses metal materials to  explore the depths, silence, scars, and healing of human  existence—along with the possibility of transcendence. A  sculpture is an event in which a material comes together  with the body of an artist to slowly reveal layers of being that  had not been visible before. In that sense, Um’s sculptures  are material yet spiritual, abstract yet concrete, silent yet  deeply resonant. To the artist, two-dimensional work is perceived less as an  independent genre separate from sculpture than as the  result of sculptural thinking’s expansion into a different  dimension. The existential questions that his two-dimension al works rest upon are the same as with his sculptures:  Questions such as “What is form?” “How is space created?”  and “How does matter attain spirituality?” repeat themselves  at the two-dimensional level. More than mere image  production or color compositions, Um’s two-dimensional  works represent a process of using the language of surfaces  to explore the same spatial and philosophical ideas  addressed in his sculpture. Repeating structures hold an important place in Um’s  two-dimensional work. This repetition is more than mere  patterns and decorative rhythm. It is an accumulation of  performative time, a process in which form is constantly  interrogating itself. The lines on the canvas connect in  regular ways; the points and surfaces are repeated while  maintaining minute differences. Yet the repetition here is not  a mechanical replication. The more repetition there is, the  more the subtle differences, discrepancies, and rhythms  show themselves. In this sense, Um’s work bears close  connections to Eastern performativity. Just as a Zen  Buddhist monk achieves internal concentration through  repeated movements, Um’s canvases access a spirituality  beyond form through their repetition. Um’s repetition is less a cold, geometric order than a flow of  living rhythms and being. Where his sculpture reveals the tensions of existence  through the cutting and welding of metal, empty spaces, and  vertical structures, his two-dimensional images create the  same tension on the surface through lines, planes, gaps,  and repetition. Much like the emptiness that is an important  aspect of his sculpture, the gaps in his two-dimensional work  are not simply empty spaces. They are potential  spaces—spaces of silence and breathing, where forms  emerge and disappear. Not simply backgrounds that sustain  forms, the gaps on the canvas harbor as much existential  weight as those forms. Um’s two-dimensional works also retain a sculptural sense  with regard to light and depth. The lines and planes on his  canvases are more than mere two-dimensional images; they  harbor the spatial depth of reliefs. Repeating structures  create visual vibrations, and the viewer’s gaze does not  simply pass over the canvas—it sinks inside it. The surface  here is not a window open to the world or a representational  medium reflecting the outside. Instead, it is a field, a  structure of energy. Ultimately, Um’s two-dimensional and sculpture works rest  on the same philosophical foundation. They are attempts to  access non-form by way of form—explorations that use  material to reach immaterial depths. Where his sculptures lift  up the weight of being within space, his two-dimensional  works endlessly repeat and expand the resonance and  breath of that being on the canvas. To Um, sculpture is a way of raising a presence up to the  world. It is also the revelation of the unseen. 「"Sculpture Means Building a World": The Abstract Sculp tures and Artistic Philosophy of Um Tai-Jung」  Kim Seok-mo  Doctor of Philosophy, Former Director, Sorol Art Museum