Choi Myoung Young

“In my work, I impose conditions on my painting process to help the paintings acheive their fundamental state, which is, ultimately, a flat plane.” _Choi Myoung-Young Choi’s works are, in the Western tradition of Minimalism, stripped of subject matter, illusion, and pictorial space; yet it is not quite correct to categorize him as a Minimalist. Choi’s paintings may be minimal in that they contain –color and line but they are paradoxically maximal in the result. He paints a black ground on canvas, then uses a narrow roller to cover the black with white paint (or blue with black, or black with red, or white with black) in a series of single, long strips. But Choi does not cover the ground color completely; he leaves uncovered a subtle profusion of horizontal and vertical lines of seemingly infinite number and length. What appears at first glance to be drawn on top of white ground is in fact the black ground exposed underneath the white paint. According to the artist, he has “conditions,” meaning requirements or restrictions, “for making my paintings ultimately plane” –- outward criteria for this inner process. For isntance, he often sets a physical boundary on the size of his work, limiting it to the span of “center,” preferring instead to allow his technique to inhabit the whole surface, in the “allover” style characteristic of Western monochromatic painting. The result is an intricate lattice-work, partly discernible, partly submerged and hidden. In the early to mid-1980s, the ground was almost completely coverd with the top layer; the hidden ground would appear in glimpses, barely visible, as if viewed through a thick fog or cloud. In his 1986 work 13-86-105, the lines leave detectable, faint plus-and-minus signs, mathematical symbols which may be interpreted as allusions to the artist’s intellectual pursuits. In Choi’s subsequent works, the dialogue between the top and bottom layers has grown. Many of the lines have become thicker, more robust, dominating the space around them. In fact, the lines’ varying density adds a sense of depth. The horizontal-vetical lines seem to generate a push-pull tension across the surface of the paintings, rendering them alive with a vibrating energy, calling to mind an elaborate maze viewed from above. The eyes automatically search for passages from left to right or right to left, top to bottom or vice versa, adding to the intense feeling of motion, leaving the impression that they continue in all directions past the actual dimensions of the canvas – an expansive labyrinth, of which Choi has captured a portion and transferred to the canvas. _Soon Chun Cho and Barbara Bloemink, THE COLOR OF NATURE | MONOCHROME ART IN KOREA 2008 Assouline 2008 “나는 작품 속에, 화면의 궁극적인 상태인 균일한 수평면을 이루도록, 나의 화법에 여러 충족조건을 지운다.” _최명영 그의 회화는 담고 있는 내용 - 색상과 선 -으로 보아서는 미니멀하다.–– 그러나 역설적으로 그것들은 효과에 있어서는 맥시멀하다. 그는 캔버스 위에 검은 바탕을 칠하고나서, 검은 바탕색을 하얀 물감(또는 파랑과 검정, 아니면 검정과 빨강, 또는 흰색과 검정색)으로, 좁은 롤러를 사용하여 낱낱의 긴 선을 겹겹이 덮는다. 그러나 그는 바탕색을 완전히 뒤덮지는 않는다; 그는 무한하게 느껴지는 숫자와 길이의 수평과 수직선을 미세한 풍성함으로 보이게 남겨둔다. 얼핏 보기에는 흰 바탕 위에 그려진 것처럼 보이는 것은, 실은 흰색 물감 밑에 감춰진 검정 바탕이 드러난 것이다. 작가에 의하면, 그는 “내 작품을 궁극적으로 평면적으로 만들기 위한 여러 조건사항”을 가지고 있는데, 그것은 일종의 충족조건이나 절제를 의미하며, 이는 그의 내면 작업을 이룩하기 위한 외부적인 척도이다. 예를 들어, 그는 흔히 그의 작품의 크기에 물리적인 한계를 두어 화폭의 크기가 “중심”의 확장에 머물도록 하고, 대신 자신의 화법이 서양화의 모노크롬 회화의 “전면적인” 스타일 특성에 걸맞게 화면 전체를 차지하게끔 허용하는 것을 선호한다. 그 결과는 부분적으로 눈에 띄고, 부분적으로는 파묻히고 숨겨지는 정교한 격자 작업이다. 1980년대 초에서 중반 사이에는, 바탕색이 거의 다 윗부분의 색으로 뒤덮여 있었는데, 숨겨진 바탕은 간간이 보일 듯 말 듯 하여, 마치 심한 안개나 구름 속을 들여다보는 느낌을 주었다. 그의 1986년작 13-86-105 속의 여러 선은 희미하게 인지되는 덧셈과 뺄샘 기호를 남기는데, 이러한 수학적 상징은 작가의 지성적인 취향을 암시한다. 작가의 여러 후속 작품에서는, 상층부와 밑의 층들 간의 대화가 더욱 발전된 양상을 보인다. 여러 선이 더욱 굵어지고, 강건해지며, 주변의 공간을 지배하게 된다. 실제로, 그 선들의 다양한 밀도가 공간감을 더한다. 이 수평-수직의 선들은 작품의 면 위에 밀고 당기는 듯한 긴장감을 생성하는 것처럼 보이며, 이런 생동감으로 연출되는 형상은 마치 창공에서 미로를 내려다보는 것과 같다. 시선은 자동적으로 좌에서 우로, 혹은 우에서 좌로, 상하로 또는 그 반대로, 나아갈 경로를 탐색하며, 격렬한 움직임의 느낌을 고조시키는데, 실제 캔버스의 크기와 차원을 넘어 모든 방향으로 퍼져 나가는 광대한 미로의 한 켠을 작가가 화폭에 옮겨놓은 듯한 인상을 준다. _조순천 & 바바라 블로밍크, 자연의 색채 | 한국의 모노크롬 아트 2008